"I received an email from my agent with Lance Black’s script attached. I printed it, sat down with it, and began to read. I read it cover to cover without moving. As I finished the last page, I wiped tears from my eyes and reflected on what I had read. The events of Harvey Milk’s life and all he did to change the lives of others made for a powerful story."
Bill Groom, Production Designer
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Dir. Eric Rohmer. Francia/Italia/España, 2007. Galas.
Un guión tan hermoso y pasional que derrite...
De entrada nos impresiona la luz, los colores, la vivacidad del cuadro. El verde centelleante de la hierba de las colinas, la gracia de la joven que por ellas baja corriendo, su cabellera de oro con un desorden bien acomodado, el drapeado de su túnica blanca que deja transparentar la sombra de dos finas piernas esbeltas... ¿Quién es ella? Es Astrée, la pastora, reencarnación rohmeriana de la heroína de la obra maestra de la literatura barroca, L'Astrée, de Honoré d'Urfé.
Tras "La Marquesa de O", "Perceval el Galo" y "La Inglesa y el Duque", Los Amores de Astrée y de Céladon es la cuarta adaptación histórica de Eric Rohmer. Pero aunque esta novela nos venga del alba del siglo XVII, y aunque su acción se sitúe en una Galia imaginaria donde cohabitan felizmente el paganismo, el cristianismo y la mitología romana, nada impide al filme palpitar con una modernidad audaz.
Lo que le interesa a Rohmer en el texto de Urfé tiene que ver con la permutación, la multiplicación de los reflejos, la inadecuación de los puntos de vista. Él juega aquí con una jubilación comunicativa que induce en el espectador un delicioso vértigo. Entrelazando las palabras de Urfé con los cuerpos de sus actores, los hace vibrar con una sensualidad desconcertante que se despierta bajo los auspicios del travestismo. El motivo se muestra en efecto a lo largo del filme, sellando tanto el origen como el desenlace, dándole una tonalidad queer tan agradable como inesperada.
Astrée ama a Céladon, quien ama a Astrée en retorno, con un amor loco pero mantenido en secreto al estar prohibido por una disputa irreconciliable que opone a sus dos familias. Todo parte de una mascarada, aquélla de Céladon, efebo a quien Andy Gillet presta su físico andrógino y quien durante una boda – y para calmar las sospechas de sus padres – simula estar enamorado de otra jovencita. Guiado por un celoso, Astrée descubre el espectáculo y conmocionada, aparta la vista. La visión le es tan insoportable que exige al que la ha lastimado, nunca jamás volver a aparecer frente a sus ojos a menos que ella se lo ordene.
Desesperado, Céladon se arroja a un río, pierde el conocimiento y aterriza en los brazos de tres ninfas que lo curan con un gran cúmulo de caricias. Una vez restablecido, el joven hombre decide llevar una vida de ermitaño y construye en el bosque un templo dedicado a la diosa Astrée, sin alimentarse de otra esperanza más que aquella de escuchar algún día a su amada ordenándole volver a ella.
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Andy Gillet presta su físico andrógino a Céladon, en un filme de tonalidad queer tan agradable como inesperado
El último movimiento del filme orquesta el rencuentro de la pastora y de Céladon, quien disfrazado de mujer, espera ganar su amistad y tal vez encontrar su amor intacto. En ese juego de espejismos e ilusiones, donde las fronteras desaparecen entre los géneros y las épocas
A los 87 años, Rohmer prueba que no ha cedido nada de su amor por lo ideal y firma una cinta inesperada, pero llena de ecos de su obra pasada, vibrando enteramente de un erotismo extraordinario. Una oda al arte y a la vida.
Texto traducido de Le Monde.fr
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La monstruosidad edípica tras la cámara de Tom Kalin luce tan bella y humana que casi opaca cualquier atrocidad. Savage Grace, dramatización de la vida y muerte de la socialité Barbara Daly Baekeland, es una intensa tragedia en colores pastel.
De Paris a Cadaqués, de Mallorca a Londres, seguimos la relación de Barbara – interpretada por una magnífica Julianne Moore – con su atormentado hijo Tony
La trama que se desarrolla en un periodo de 25 años
La cinta es fuerte y polémica, indudablemente, con escenas que van desde el coqueteo ligero entre Tony y su guapísimo novio Black Jake
A disfrutar con amplio criterio...
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La ópera prima de Rodrigo Plá nos exhibe como una sociedad dividida en la que la cultura del miedo se ha instalado hasta destruir los valores más esenciales del hombre. Es esa misma cultura del miedo fue la que exploró, aunque de manera diferente, M. Night Shyamalan en su – por algunos incomprendido – filme/ensayo político-filosófico- antropológico titulado The Village
Tras el aleteo de una mariposa, la bella secuencia inicial nos presenta esa privilegiada Zona incrustada en las entrañas de los barrios bajos de la ciudad de México, de los cuales ha sido totalmente aislada por un muro vigilante. Ese muro es la frontera entre "ellos" y "nosotros", entre "nosotros" y "ellos". Es ese muro la línea divisoria entre aquellos que envidamos y aquellos a quienes tememos. La Zona, es el símbolo del miedo colectivo ante lo que "nos" puede dañar dentro de una sociedad envuelta por la inseguridad, la corrupción, la pobreza y la diferencia de clases.
En una noche tormentosa, el muro de La Zona es transgredido inesperadamente con consecuencias que despertarán en su comunidad profundos y peligrosos sentimientos: el temor, la alarma colectiva, la venganza. La Zona ha visto su seguridad amenazada y sus habitantes harán todo lo posible por mantenerla, literalmente, cueste lo que cueste y haciendo justicia por su propia mano.
Sin una inoportuna violencia verbal o visual, La Zona logra transmitir un mensaje muy loable a través del inteligente guión de Laura Santullo, dejando muy claro que el problema social es complejo, con personajes que no siempre están de acuerdo y que individualmente poseen grados de tolerancia y de reacción diferentes ante los mismos hechos. Por un lado tenemos el radicalismo extremo personificado por Gerardo
En la cinta sobresalen todas las actuaciones. Si hubiera un premio especial deberían otorgarlo a Elisa Miller, Alejandro Reza y Rocío Belmont por la elección del elenco. Personalmente me gustaría destacar a Mario Zaragoza
Los elementos técnicos de la película son también un acierto. Fernando Velázquez, compositor de la impactante música de El Orfanato y de la sublime partitura de Savage Grace, nos deleita una vez más con una penetrante banda sonora. La fotografía de Emiliano Villanueva, el sonido y los efectos especiales de la cinta son admirables.
Me parece que La Zona tiene todo el potencial para convertirse en un crowd pleaser honorable, diciéndonos una vez más que los grandes problemas sociales no tienen solución en el proteccionismo ciego ni en la propagación del miedo.
Sitio oficial y trailer.
La Zona fue premiada en los festivales de Toronto y Venecia. Recibió cuatro nominaciones para los Ariel 2008 [coactuación femenina, coactuación masculina
Dir. Serge Bozon. Francia, 2007. Selección Oficial Ficción.
Update (Marzo 2, 2008): Serge Bozon fue reconocido con el Premio de Mejor Dirección del FICCO.
Nicolas Sarkozy, actual presidente de la República Francesa, se comprometía en sus discursos de campaña a crear una Francia exitosa, una Francia en la que los franceses se sintieran orgullosos de ser franceses. En el país galo, eran los tiempos políticos de la primavera 2007; eran también los tiempos cinéfilos de Cannes que irónicamente ofrecían en "La France", filme realizado por Serge Bozon, un rostro diferente de aquella Francia políticamente idealizada.
"La France", sin tener una intención militante según las propias palabras del director, nos muestra la historia de aquellos que fueron ignorados por la historia, de ese grupo de ciudadanos – aparente tropa de soldados – débiles y muy vulnerables que prefirieron bajar los brazos y desertar de la primera guerra mundial. Soldados de convicciones abatidas cuya única aspiración real era escapar de la batalla muy lejos de su territorio, lejos de su tierra. "La France" nos muestra también que incluso en el escenario más desolador existen motivos, como el amor, por los cuales uno está dispuesto a luchar. Así es como Camille, movilizada por un amor que no puede – o no quiere – creer perdido, decide unirse a ese grupo de desertores ambulantes sin esperanzas.
En medio de la devastación y de la manera más anacrónica imaginable, los supuestos soldados cantan en nombre de esa "joven ciega" que es Camille. Serge Bozon verdaderamente sorprende al espectador con cuatro melodías originales estilo pop británico de los 50s-60s
El personaje de Camille es acertadamente interpretado por Sylvie Testud a quien vimos recientemente en La Vie en Rose
"Ningún sentido tiene tratar de separar una edificación de su medio ambiente". Bajo esta premisa, el director alemán Heinz Emigholz captura de manera elegante la obra del arquitecto austriaco-americano Rudolph M. Schindler (1887-1953), uno de los pioneros de la arquitectura moderna del siglo XX y quien con sus innovadores diseños modificó el paisaje urbano de la ciudad de Los Ángeles y sus alrededores.
En Schindlers Häuser – la más reciente cinta de la serie fílmica de Emigholz, titulada "Fotografía y Más Allá" – el cine se convierte en un medio para apreciar cuarenta casas sudcalifornianas como formas que prevalecen en el espacio y en el tiempo. Se trata de cuarenta casas que fueron concebidas entre 1921 y 1952 en distintas localidades de Los Ángeles tales como West Hollywood, Studio City, Los Feliz y Silverlake. Cuarenta casas que conservan las estructuras rectangulares y homogéneas características de la obra de Schindler, pero que con el paso de los años han establecido una simbiosis con la naturaleza y con el mismo desarrollo urbano.
Las casas han sido descompuestas en una serie de planos estacionarios pero no completamente estáticos, los cuales presentan diferentes perspectivas de sus interiores y exteriores para que el espectador logre reconstruirlas en tres dimensiones. A través de la cámara de Emigholz contemplamos como la iluminación natural pinta los espacios y las estructuras. Los claroscuros son frecuentes tanto al interior como al exterior, cuando la misma construcción y sus paredes producen juegos de luces y sombras particulares. En ocasiones, el director nos muestra el entorno de la construcción desde una terraza, desde una ventana, o incluso como un simple reflejo en un cristal. Emigholz nos ofrece también elementos audiovisuales que evocan la inmersión de las construcciones en su ambiente. El rumor de las hojas de los árboles al mecerse con el viento, el silbido y el aleteo de las aves, el rompimiento de olas del mar y la lluvia sugieren la asociación con la naturaleza, mientras que el ruido lejano de un motor, el sonar de un teléfono o de las manecillas de un reloj, nos recuerda la asociación con el hombre quien físicamente está prácticamente ausente. De vez en cuando la decoración y algunos objetos personales como un ordenador, libros, una tabla de surfing o un piano de cola, nos permiten conocer detalles sobre los habitantes anónimos de estas casas.
Conforme descubrimos cada construcción, crece la impresión de que éstas no se reducen llanamente a un espacio modificado, sino que cada una de ellas constituye una entidad diferenciada con vida propia. Probablemente la iglesia bautista de South Central y las tiendas Modern Creators Shops en West Hollywood brindan los dos extremos de la diversidad existente bajo un mismo concepto arquitectónico.
Schindlers Häuser es, más allá de un documental, un ensayo cinematográfico para meditar sobre la belleza de las creaciones artísticas humanas y su relación con la naturaleza. La película es además el resultado del estudio preciso de la obra de un arquitecto y diseñador, algo que el mismo Emigholz ha llamado "Arquitectura como Autobiografía".
Schindlers Häuser fue presentada en 2007 en el Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) y llega al FICCO tras una corrida internacional de exhibiciones, incluyendo los festivales de Mar del Plata, Toronto y Vancouver.
Una gran indecisión me envolvió en días recientes para elegir a un candidato para este Close-Up. Para ser sinceros, primero pensé que tal vez era hora de ampliar horizontes y hacer uno dedicado a Scarlett Johansson, influenciado quizás por comentarios de algún visitante del blog (léase Paxton Hernández, quien se siente discriminado cada vez que publico un Close-Up, jejeje). Después estuve tentado a dedicar este post a Joseph Sayers, pero para desgracia de much@s
Finalmente, el seleccionado ha sido Andy Gillet, quien sin duda fue la revelación del cine francés en el 2007. Originalmente él es modelo, pero su participación en L'Homme de sa Vie, Nouvelle Chance y Les Amours d'Astrée et Céladon, le han merecido un lugar en este blog.
Les Amours d'Astrée et Céladon, filme dirigido y adaptado por Eric Rohmer, fue presentado en el pasado Festival de Venecia y será exhibido próximamente en las Galas del FICCO 2008. En esta cinta, Andy Gillet interpreta a Céladon, un joven y bello pastor - o Romeo del siglo V - que vive profundamente enamorado de Astrée pero que intenta suicidarse al creer su amor defraudado. Afortunadamente sobrevive y es rescatado por unas ninfas...
En fin, los dejo con el francesito de ojos verdes y 1.85 m de estatura...
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Por fin, después de semanas y semanas de espera, el sitio oficial del FICCO
En particular la sección Galas, ofrecerá una atractiva selección de 19 películas de ficción que son las últimas producciones de distinguidos directores de la industria cinematográfica. Prácticamente todas han sido exhibidas en otros festivales internacionales como los de Cannes, Venecia, Toronto y Berlín:
Galas FICCO 2008
A Londoni Férfi
Ai No Yokan
Auf Der Anderen Seite
Boarding Gate – Dir. Olivier Assayas
Die Stille Vor Bach
Dr. Plonk – Dir. Rolf de Herr
Funny Games – Dir. Michael Haneke
Glory To The Filmmaker! – Dir. Takeshi Kitano
Go Go Tales – Dir. Abel Ferrara
Import Export – Dir. Ulrich Seidl
La Fille Coupée En Deux
Le Voyage du Ballon Rouge
Les Amours d'Astrée et Céladon
Lust, Caution – Dir. Ang Lee
My Blueberry Nights – Dir. Wong Kar Wai
Ne Touchez Pas La Hache
Cristovão Colombo, O Enigma
There Will Be Blood – Dir. Paul Thomas Anderson
Une Vieille Maîtresse
En la Selección Oficial en Competición, se presentarán 19 filmes de ficción, incluyendo la cinta 3:19 de Dany Saadia, una coproducción España/México, y la cinta mexicana Parque Via de El Güero. También competirán otras películas como La France de Serge Bozon y La Soledad de Jaime Rosales, reciente ganadora del Goya Mejor Película.
Otras películas selectas en algunas secciones paralelas del festival son:
Sección Tendencias
Savage Grace – Dir. Tom Kalin
La Graine et le Mulet – Dir. Abdelatife Kechiche
Persepolis – Dir. Marjane Satrapi y Vincent Paraunnaud
En la Ciudad de Sylvia – Dir. José Luis Guerín
Mogari No Mori – Naomi Kawase
Schlinders Häuser – Dir. Heinz Emigholz
Sección México Digital
Ópera – Dir. Juan Patricio Riveroll
Selección Oficial de Documentales
Winners and Losers – Dir. Lech Kowalski
Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo – Dir. Yulene Olaizola
Los Niños Devoran Lobos – Dir. Antonino Isordia Llamazares
Presentaciones Especiales
Control – Dir. Antón Corbijn
La Zona – Dir. Rodrigo Plá
Eastern Promises – Dir. David Cronenberg
