Road to the Oscars: Mauro Fiore y la fotografía de Avatar

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Izquierda: Rodaje en el set en Wellington, Nueva Zelanda.

Derecha: James Cameron y Mauro Fiore revisan su trabajo en el set.

Cuando Mauro Fiore se integró al equipo de James Cameron para el rodaje live action de Avatar, la producción estaba ya muy avanzada en los estudios de captura de movimiento en Playa del Rey, California. Cameron había pasado ya 18 meses rodando las interpretaciones de los actores que posteriormente serían transformados en personajes animados por computadora. Aunque cerca del 70% de la cinta se obtuvo mediante captura de movimiento, el look real del filme aún necesitaba ser creado.

Siendo Avatar su primer largometraje digital, Fiore se enfrentó a una variedad de retos nuevos. Por ejemplo, la escena climática de la película en la que el ejército humano desciende a Pandora para atacar a los Na'vi, tuvo que ser rodada de noche aunque ésta sucedía en el día. Los estudios en Wellington, Nueva Zelanda, donde se filmaron las secuencias de acción real de Avatar, no eran lo suficientemente amplios para albergar una grúa de construcción requerida para dejar caer un helicóptero lleno de soldados. La producción se tuvo entonces que mover al estacionamiento de los estudios donde colocaron una pantalla verde de 120 metros de largo por 15 metros de alto. Cameron insistió que la secuencia se rodara durante noche con el objetivo de poder controlar totalmente la luz y no tener que preocuparse por la dirección del sol o la obstrucción de las nubes. "Por muy loco que suene rodar una escena de día durante la noche y en exteriores, era ésa la decisión correcta", dice Fiore.

Como gran parte de Pandora es virtual, Fiore constantemente tuvo que hacer coincidir la iluminación con elementos que serían integrados en post-producción. "Tuvimos que encontrar una manera de crear eventos fantásticos que nadie ha visto antes." Evidentemente nadie ha estado frente a una tormenta de plasma, pero Fiore se las ingenió para lograr efectos y detalles de iluminación únicos. En una escena Jake Sully (Sam Worthington) y la Dra. Grace Augustine (Sigourney Weaver) observan la tormenta a través de la ventana de su laboratorio remoto. Para encontrar el efecto adecuado de la tormenta en sus rostros, Fiore empleó patrones anormales en sus proyectores de modo que funcionaran como fuentes de luz.

Dirigir la mirada de los espectadores dentro de cuadros con fondos extremadamente detallados también fue un reto interesante. El contraste, la decoración del set y la iluminación fueron claves en escenarios con fluorescencias o fuentes de luz en segundo plano que podían fácilmente desviar la atención del público. El objetivo fue tratar de crear siempre situaciones en las que nuestros ojos se sintieran cómodos y pudieran ser guiados en la pantalla.

Mauro Fiore recibió este año su primera nominación a un Oscar y al premio de la ASC (Sociedad Americana de Cinematografía).

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Izquierda: El manejo de la iluminación fue esencial para mejorar nuestra percepción de la 3D.
Derecha: Diagrama virtual de las estaciones de investigación remota en Pandora. Fiore pudo comenzar el diseño de la iluminación semanas antes a su llegada a Wellington gracias a estos modelos virtuales.

Road to the Oscars: Mark Boal y el guión de The Hurt Locker

Siendo originalmente periodista de profesión, Mark Boal logró traducir su experiencia personal en un guión cinematográfico que se caracteriza por su realismo y por su efectividad para producir una atmósfera de tensión constante.

A finales de 2004, Mark Boal se trasladó a Iraq como reportero para la revista Playboy. Estando ahí le vino la idea de centrar sus artículos en las escuadras de bombas porque en ese momento – y hasta el día de hoy– los IEDs (artefactos explosivos improvisados) eran la táctica principal de la insurgencia. Militarmente y estratégicamente, los IEDs definían la guerra. Boal fue armando su historia como un rompecabezas, recogiendo elementos de sus pláticas con los técnicos EOD (explosive ordnance disposal; éste es el nombre de las escuadras como la que seguimos durante el filme) y entrevistándose finalmente con más de una centena de soldados.

Mark Boal comenzó a trabajar en el guión de The Hurt Locker tras su regreso de Iraq. Para ese entonces había concretado su colaboración con Paul Haggis, quien escribió el guión de In the Valley of Elah basado en algunos de sus artículos sobre la guerra en Iraq. Para Boal, el guión de The Hurt Locker debía estar tan lleno de tensión como fuera posible, y efectivamente lo logra. El espectador nunca cuenta con más información que aquella que los mismos personajes tienen, produciéndole la sensación de estar presente en el lugar de la escena sin saber hacia donde la trama lo llevará.

El sargento William James, interpretado por Jeremy Renner (nominado como mejor actor protagónico) es el personaje entorno al cual gira la historia. Boal tiene razón al decir que es un personaje que en realidad es siempre el mismo, desde el inicio y hasta el final de la película, evitando hacer uso de la tradicional transformación del protagonista como un recurso narrativo. Al mostrarnos al sargento James desde diferentes perspectivas, lo que Boal sí logra cambiar es la opinión que el mismo espectador tiene sobre el personaje.

Hace unos días Boal recibió el reconocimiento del gremio de escritores (WGA) y el día de ayer consiguió el premio BAFTA. Sin haber escrito guiones o producido filmes anteriormente, éste año obtuvo dos nominaciones al Oscar en las categorías de guión original y de mejor película, en ésta última compartiendo créditos con Kathryn Bigelow, Nicolas Chartier y Greg Shapiro.

Descarga el guión de The Hurt Locker haciendo clic aquí.

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Fragmento final de la primera secuencia del filme y fotografía de Mark Boal

Road to the Oscars: Christian Berger y la fotografía de Das weisse Band

Update: El sábado 27 de febrero, la Sociedad Americana de Cinematografía otorgó su premio anual a Christian Berger.

1966 fue el último año en el que las cintas a color y en blanco y negro compitieron en categorías separadas al Oscar de cinematografía. Desde entonces, las nominaciones para cintas monocromáticas han sido raras. Este año el trabajo de Christian Berger, fotógrafo de Das weisse Band, logró colocar al filme del director Michael Haneke dentro del selecto grupo de nueve películas predominantemente en blanco y negro que han sido nominadas, siendo las más recientes Good Night and Good Luck (Robert Elswit, 2005), The Man Who Wasn't There (Roger Deakins, 2001) y Schindler's List (Janusz Kaminski, 1993).

Tras Caché (2005), Das weisse Band (La Cinta Blanca; The White Ribbon) se convirtió en la quinta colaboración entre Haneke y Berger. Cuenta Berger que cuando Haneke decidió que quería realizar el filme en blanco y negro, su primera reacción fue de entusiasmo por volver a los "viejos tiempos". Sin embargo, el rodaje no pudo efectuarse de esa forma debido a que los productores deseaban una versión a color para la televisión. Finalmente la película fue rodada a color y la versión monocromática se obtuvo digitalmente.

Fue precisamente el rodaje a color lo que permitió a Berger obtener una escala de grises mucho más fina, pero fue necesario que el fotógrafo, junto con los diseñadores de producción y de vestuario, realizara pruebas con cada uno de los materiales usados para la decoración y los atuendos con el fin de calcular los tonos que se generarían al pasar del color al blanco y negro.

Puesto que la historia se desarrolla en la primera década del siglo XX, un reto particular que encontró Berger fue que en ocasiones las únicas fuentes de luz a su disposición eran velas, lámparas de petróleo o antorchas. En algunos casos, esto hacía que los interiores fueran demasiado oscuros, por lo que una fuente de luz adicional era necesaria para iluminar a los actores. Evidentemente, esto siempre generaba segundas sombras, pero todas ellas fueron borradas en postproducción.

Esta es la primera nominación al Oscar que recibe el fotógrafo austriaco.

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Izquierda: El médico del pueblo hablando a su hija. Derecha: Cena en la casa del pastor del pueblo.

Road to the Oscars: John Myhre y el diseño de producción de Nine

La mente y la vida desorganizadas, caóticas, de Guido Contini probablemente merecían un diseño de producción como el que concibió John Myhre, nominado este año al Oscar por Nine. Se trata de un set inconcluso, en la Roma de los años 60s, que parece gritar "Italia", coincidiendo así con el título de la que sería la próxima cinta del director Contini.

Diez números musicales fueron rodados en ese set, lo cual requirió que fuera construido de forma que pudiera transformarse entre uno y otro. Los requerimientos coreográficos fueron por lo tanto el punto de partida para su diseño. Se construyó realmente sin paredes sólidas para favorecer la vista desde prácticamente cualquier punto del escenario. Los andamios tuvieron que ser creados para que lucieran tanto como el frente del set, ya que gran parte del rodaje sucedió también en la parte trasera.

Myhre incorporó elementos del Coliseo, el Foro Romano y La Scala; recreó la fuente y el reloj de la Piazza del Comune in Sutri para el número musical de Nicole Kidman; con una mini-cámara y la ayuda del director de fotografía, Dion Beebe, exploró cada uno de los modelos a escala para descubrir nuevos planos y moldear los espacios.

John Myhre, quien fuera nominado en ocasiones anteriores por la dirección de arte de Dreamgirls, Memoirs of a Geisha (ganador), Chicago (ganador) y Elizabeth, cuenta en el último número de la revista Perspective, cómo su trabajo en Nine se convirtió en la experiencia más retadora, criminal, excitante, enloquecedora y creativa de su vida.

Imagen del set decorado para Folies Bergère (tema interpretado por Judi Dench). Ensayo inicial para el diseño del set. Set recreando la Piazza del Comune para el número Unusual Way (interpretado por Nicole Kidman).

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Set del departamento de arte para el filme "Italia" de Guido Contini.

Set principal en los estudios Shepperton en Londres, decorado para el acto inicial del filme.

Frase cinéfila del día

"You can't cut yourself off from the mystical or you'll be -you'll remain- completely lost.
You have to see these things as expressions of God's will.
You don't have to like it, of course."

A SERIOUS MAN

Close-Up: Matthew Goode

En su Screen Test nos cuenta Matthew Goode (Devon, Inglaterra, 1978) que su primera cita con Woody Allen, antes del rodaje de Match Point, duró exactamente un minuto y medio: él sólo quería ver como era Matthew en carne viva. No me queda duda de que entonces hizo un buen casting...

Algunos lo reconocerán como el hombre más inteligente del mundo bajo el nombre de Ozymandias (Watchmen). Algunos más esperamos verlo en A Single Man, convertido en el objeto y origen de la melancolía devastadora que corre por las venas del personaje de Colin Firth.

Próximos proyectos: Leap Year, al lado de Amy Adams, y Cemetery Junction, compartiendo créditos con Ralph Fiennes y Ricky Gervais. Otras cintas como Brideshead Revisited, donde aparece junto a Ben Whishaw, nunca llegaron a las salas.

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Mujeres directoras

"If Bigelow raises that gold statuette in March, many more women might breach the boys' club."
Kira Cochrane, The Guardian.

Los reconocimientos que este año ha recibido Kathryn Bigelow por su trabajo directoral en The Hurt Locker han producido un sinnúmero de reflexiones sobre los espacios para las mujeres realizadoras de filmes y su presencia en la industria, principalmente la hollywoodense. La doble nominación al Oscar de Bigelow, primero en la categoría de dirección y desde hace un par de días como productora, en la categoría de Mejor Película, no deja de ser considerada como un hecho inusual, lamentablemente.

Se ha dicho ya que entre las más de 400 nominaciones al Oscar de Mejor Director, la nominación de Bigelow es apenas la cuarta para una mujer, sin que ninguna haya sido premiada hasta ahora. Y, por si fuera poco, es tan sólo la segunda ocasión en que la directora es nominada también como productora: Sofia Coppola fue la primera mujer en lograr esa doble distinción en 2003.

El panorama mejora sólo un poco cuando se echa un vistazo a la categoría de Película Extranjera. Alrededor de una docena de directoras han figurado con menciones en ese grupo: Lina Wertmüller (Pasqualino Settebellezze, 1976), Diane Kurys (Entre Nous, 1983), María Luisa Bemberg (Camila, 1984), Mira Nair (Salaam Bombay!, 1988), Marleen Gorris (Antonia, 1995), Nana Dzhordzhadze (A Chef in Love, 1996), Caroline Link (Jenseits der Stille, 1997; Nirgendwo in Afrika, 2002), Agnès Jaoui (Le Goût des Autres, 2000), Paula van der Oest (Zus & Zo, 2002), Cristina Comencini (La Bestia nel Cuore, 2005), Deepa Mehta (Water, 2006), Susanne Bier (After the Wedding, 2006), Claudia Llosa (La Teta Asustada, 2009). La única que ha resultado ganadora ha sido la alemana Caroline Link en 2002, tras su segunda nominación.

La lista aumentaría sin duda si consideráramos a directoras de documentales y cortometrajes, pero no bastaría para notar un cambio en la situación: la proporción de mujeres será siempre menor.

The Guardian abordó el tema recientemente en un artículo titulado "Why are there so few female film-makers?" y su autora constata que en 2008 sólo el 9% de los directores de Hollywood eran mujeres. Diez años atrás, la cifra era la misma. Por otro lado, Peter Knegt de indieWIRE nos da algunos números adicionales: de las 241 películas que en los últimos 10 años recaudaron al menos 100 millones de dólares, sólo 7 fueron dirigidas (o co-dirigidas) por mujeres: Shrek, Twilight, What Women Want, The Proposal, Shark Tale, Mamma Mia! y Something’s Gotta Give. Knegt también nos dice que únicamente 31 películas dirigidas por mujeres han logrado recaudar más de 20 millones de dólares, mientras que más de mil cintas dirigidas por hombres han rebasado esa cifra.

Afortunadamente y a pesar del escenario, mujeres como Bigelow y Coppola siguen abriendo espacios para su género. Los nombres de Jane Campion (única directora ganadora de una Palma de Oro), Claire Denis, Kelly Reichardt, Nancy Meyers, Nora Ephron, Anne Fletcher, Julie Taymor y Catherine Hardwicke, son ya famosos. El cine europeo tiene también a algunas de sus representantes actuales en Doris Dörrie, Agnès Varda, Sally Potter, Susanne Bier, Isabel Coixet, Caroline Link, Catherine Breillat y Andrea Arnold, mientras que en el latinoamericano figuran Lucía Puenzo, Claudia Llosa y Lucrecia Martel, sin olvidar las sorpresas que el cine mexicano nos ha dado últimamente: Lucía Gajá, Mariana Chenillo y Yulene Olaizola.


Para la reflexión: Fotografía de Annie Leibovitz. El director como ente masculino en un mar de mujeres.


The Top Grossing Female Helmed Films – indieWIRE

Why are there so few female film-makers? – The Guardian

A través de la lente de Annie Leibovitz

Diría yo que cualquiera que se haya tomado el tiempo de hojear alguna revista estadounidense muy probablemente ha tenido frente a sus ojos una fotografía tomada por Annie Leibovitz. Su talento artístico ha logrado inmortalizar íconos de la cultura popular dentro de imágenes desbordantes de estética. Durante diez años, Leibovitz fue la fotógrafa principal de la revista Rolling Stone y desde 1983 ha colaborado con Vanity Fair.

Hace un par de días precisamente ésa revista publicó, como lo ha hecho desde hace 16 años, su ya clásico número anual de Hollywood. En portada, siempre una fotografía de Annie Leibovitz acompañada de un cautivador "Hollywood Portfolio".

Tras revisar los números publicados en los últimos años, comparto aquí algunas imágenes de esta brillante fotógrafa.

1994. Portada. "Send in the Gowns": Julianne Moore, Jennifer Connelly, Gwyneth Paltrow, Naomi Watts, Salma Hayek, Jennifer Aniston, Kirsten Dunst, Diane Lane, Lucy Liu, Hilary Swank, Alison Lohman, Scarlett Johansson y Maggie Gyllenhaal.

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2007. "The Dressing Room": Pedro Almodóvar y Penélope Cruz. "The Ring": Jessica Biel, Djimon Hounsou, Sylvester Stallone, Robert Downey Jr., Forest Whitaker y Tobey Maguire.

2006. Portada. "Ford's Foundation": Scarlett Johansson, Tom Ford y Keira Knightley.



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2010. "The Visionary": James Cameron y su cámara Fusion 3-D. "The Real Deal": Lee Daniels, Mo’Nique y Gabourey Sidibe.





2003. Portada. "Alpha List": Tom Hanks, Tom Cruise, Harrison Ford, Jack Nicholson, Brad Pitt, Edward Norton, Jude Law, Samuel L. Jackson, Don Cheadle, Hugh Grant, Dennis Quaid, Ewan McGregor y Matt Damon.



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2009. "The Colonists": Nicole Kidman y Baz Luhrmann. "The Dickensians": Danny Boyle y Dev Patel.





2000. Portada. "Splendor in the Grass": Penélope Cruz, Wes Bentley, Mena Suvari, Marley Shelton, Chris Klein, Selma Blair, Paul Walker, Jordana Brewster y Sarah Wynter.



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2009. "The Partnership": Sam Mendes y Kate Winslet. "The Ringers": Darren Aronofsky y Mickey Rourke. 2010. "The Hellions": Quentin Tarantino y Christoph Waltz.



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2007. "The Ladies of L.A.": Anjelica Houston, Sharon Stone y Diane Lane. "The Shoot-Out": Helen Mirren y Kate Winslet.

2008. Portada. "Fresh Faces": Emily Blunt, Amy Adams, Jessica Biel, Anne Hathaway, Alice Braga, Ellen Page, Zoë Saldana, Elizabeth Banks, Ginnifer Goodwin y America Ferrera.

The Hollywood Portfolios: 2010, 2009, 2008, 2007.

The Annie Leibovitz Covers