Entre les Murs (La Clase): una tesis audiovisual

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Izquierda: François Bégaudeau, autor y protagonista de la cinta de Laurent Cantet.
Derecha: uno fácilmente olvida que está observando el producto de un rodaje ficticio.

...sobre el primer día de clases. Sobre la energía del lenguaje. Sobre el debate. Sobre la dialéctica socrática.
Sobre la diversidad social y étnica. Sobre la desigualdad y la estratificación social.
Sobre la autoridad y su legitimidad. Sobre el poder. Sobre la justicia y la sanción.
Sobre los derechos y las obligaciones. Sobre la disciplina y el respeto.
Sobre el insulto, la rebelión, la desobediencia, la falta de vergüenza, la ingratitud y la indiferencia.
Sobre la insolencia y la condescendencia. Sobre la razón y la intuición. Sobre el comportamiento voluntario y el no premeditado.
Sobre la juventud. Sobre la relación entre adultos y adolescentes. Sobre la relación entre adultos a veces confrontados y a veces unificados.
Sobre la democracia.
Sobre el dilema, la duda y la convicción. Sobre la intolerancia y la tolerancia. Sobre la incomprensión y el entendimiento.
Sobre la inmigración. Sobre Wei y sus padres sans papiers.
Sobre las emociones y el impulso visceral. Sobre el entusiasmo y el idealismo. Sobre el hartazgo y la paciencia.
Sobre la pluralidad. Sobre la vocación. Sobre la ignorancia y el aprendizaje.
Sobre los quince minutos perdidos en cada clase que invariablemente se convierten en miles de minutos tras un año.
Sobre el cómo conocer mejor al estudiante, al adolescente. Sobre el cómo conocerse mejor a sí mismo. Sobre el autorretrato.
Sobre los austriacos y los argentinos.
Sobre el imperfecto del subjuntivo.
Sobre la expresión, la lengua alambicada y el argot vulgar.
Sobre la incapacidad para leer a Voltaire. Sobre la inesperada lectura de Platón.
Sobre la semántica, la gramática y literatura. Sobre la dificultad de la comunicación.
Sobre las suculentas hamburguesas de queso de Bill, Ben, Bob... Aïssata, Mamadou y Bintou.
Sobre la homosexualidad. Sobre la identidad. Sobre las apariencias y los atuendos.
Sobre el Guantánamo colegial.
Sobre el respeto a la mamá de Boubacar.
Sobre la máquina de café y el precio del café.
Sobre el miedo y los conflictos. Sobre la sumisión y la humillación.
Sobre la educación impartida o desatendida por los padres.
Sobre le fútbol, Malí, Marruecos y la Copa de Naciones Africanas.
Sobre el análisis pedagógico.
Sobre los versos, la rima, las sílabas y la poesía.
Sobre la venganza que no es venganza.
Sobre el juicio, los argumentos, la deliberación, la votación y la expulsión.
Sobre la proporcionalidad matemática, la trigonometría, el teorema de Thales y el de Pitágoras.
Sobre las fascinantes placas tectónicas y los terremotos y los volcanes. Sobre el comercio triangular.
Sobre el reactivo de Fehling, el interés perdido en los cambios de color y la combustión.
Sobre la reproducción humana y la fecundación.
Sobre "las vacaciones que ya pronto llegan" en español.
Sobre la convivencia.
Sobre Souleyman y su madre apenas francófona. Sobre Khoumba y su cabello tipo Diana Ross. Sobre Esmeralda, Burak, Juliette, Rabah, Samantha...
Sobre François Marin, personaje protagónico interpretado por el autor del libro epónimo.
Sobre los estudiantes que se recrean en un partido amistoso con sus profesores al final del año.
Sobre el salón vacío de clases que se desvanece en la memoria.
Sobre la ficción de calidad documental que se nutre de la improvisación.
Sobre los excesivos intercambios dialogados y la interpelación.
Sobre la institución escolar y la sociedad entera.
Sobre la vida vista entre los muros.
Sobre la vida, simplemente.

A Single Man (y Venecia)

Un vistazo a 'A Single Man' de Tom Ford: puro eye candy

La opera prima del diseñador de moda Tom Ford, famoso por sus creaciones para Gucci e Yves Saint Laurent, comenzó a intrigar a algunos cuando fue seleccionada en competición en el Festival de Venecia. Parecía no ser más que un simple experimento, pero en un par de días las percepciones cambiaron: la cinta tuvo su premier mundial el día de ayer, la prensa escribió sobre ella con vehemencia y hoy ganó dos premios en el cierre del Festival. A Single Man obtuvo el Queer Golden Lion y su protagonista, Colin Firth (Love Actually, Mamma Mia!, Dorian Gray), el premio de mejor actuación masculina.

El filme, adaptado de la novela del mismo nombre de Christopher Isherwood y aún sin distribuidora, se presentará este lunes en el TIFF (Festival Internacional de Cine de Toronto). Apenas vi el trailer y despertó en mí bastante curiosidad. El elenco, además de Colin Firth, incluye a Julianne Moore, Matthew Goode (Match Point, Watchmen) – en un papel que siempre imaginé verlo, Lee Pace (Pushing Daisies), Nicholas Hoult, Ginnifer Goodwin y Jon Kortajarena. En el trailer destacan y llaman la atención el diseño de producción a cargo de Dan Bishop (Mad Men), el diseño de vestuario de Arianne Phillips (3:10 to Yuma, Walk the Line, Hedwig and the Angry Inch) y la fotografía del español prácticamente desconocido, Eduard Grau.

Ver trailer aquí...
Reseñas: Variety, IndieWire, ScreenDaily


PD: El palmarès de la 65 edición de La Biennale di Venezia, presidida por Ang Lee, se puede ver aquí y también aquí. Premios para Lebanon de Samuel Maoz (León de Oro), Soul Kitchen de Fatih Akin (Premio del Jurado), Ksenia Rappoport por su interpretación en La Doppia Ora de Giuseppe Capotondi, Sylvie Olivé por la dirección de arte en Mr. Nobody de Jaco Van Dormel, Todd Solondz por su guión para Life During Wartime, entre otros.

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Imágenes del photocall de 'A Single Man' (Tom Ford, Julianne Moore, Colin Firth, Nicholas Hoult y Matthew Goode) y de 'Lebanon' (Yoav Donat, Samuel Maoz, Michael Moshonov y Zohar Straus)

Update: El martes 15 de septiembre, Variety reportó que A Single Man fue adquirida por The Weinstein Company para su distribución limitada antes de que termine al año, con lo cual será elegible para los premios de la Academia.

Tokyo!: transformación, anarquía, renacimiento

Denis Lavant es Merde en el corto de Leos Carax

Muy por arriba de las expectaciones que otras compilaciones recientes de cortometrajes (Chacun son Cinéma, Paris Je T'Aime, New York I Love You) han generado, se posiciona el trinomio poético-sociológico que constituye a Tokyo! La cinta, que explora (y amplifica) diferentes manifestaciones de la naturaleza humana engendradas en (y por) la sobrepoblada metrópoli nipona, exhibe la reflexión de tres directores extranjeros (los dos primeros, franceses; otro más, coreano) sobre un medio urbano que se ha vuelto hostil hacia sus propios habitantes. Son tres historias desiguales que con todo logran formar un mosaico bien articulado cuyo punto común yace en la metamorfosis: el humano se transmuta hacia el estado inanimado, regresa por igual a su condición animal y sobrevive en calidad de ser cuasi inerte.

Interior Design de Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, La Science des Rêves), primer opus del conjunto, confronta a una joven, Akira, con la búsqueda de su propia identidad dentro de una sociedad en la que las personas se autodefinen así mismas por lo que hacen o logran hacer. En su mente y en el espacio, Akira trata de encontrar su lugar, sabiéndose inmersa en una ciudad ajena, compacta, miniaturizada, ya casi impenetrable, donde las almas apenas pueden deslizarse entre los intersticios de las edificaciones. No hay entorno suficiente para ser, para vivir, para descubrirse. Gondry nos muestra cómo la frustración de esta mujer que llegó a Tokyo emocionada y acompañada por su novio, un creativo que aspira a convertirse en exitoso cineasta, la lleva a concebirse de forma particularmente distinta.

El segundo capítulo, que por sí sólo merece una amplia reseña (basta leer la crítica que al respecto hace Slant Magazine), lleva un título con connotación escatológica: Merde (que del buen francés se traduce como Mierda). En él, Leos Carax imagina a un ser recreado por Denis Lavant (Mr. Lonely, Boy Meets Girls) que, con su traje verde y deambulación caótica, emerge de las alcantarillas para aterrorizar a la población. El horror crece cuando de manera nihilista, nuestro anti-héroe extranjero se pone a lanzar granadas completamente al azar, sacrificando a un gran número de víctimas inocentes. Entonces el asunto se politiza, divide y levanta polémica entre las masas. Así, este hombre/criatura sin ideología se convierte en todo un icono mientras es juzgado y defendido por un abogado francés (interpretado por Jean-François Balmer) que dice comprender su lenguaje ininteligible y hace notar que su protegido simplemente odia a la gente inocente. Con un tono absurdo y sarcástico, Carax construye una historia que vale bastante no sólo por convertirse en una crítica dura a la lucha contra el terrorismo, las coberturas mediáticas y la xenofobia, sino por el ingenio mostrado por su realizador y la fabulosa actuación de Denis Lavant. Coincidencia o no, el corto comparte ciertas similitudes temáticas con The Host.

Para terminar, Bong Joon-ho (The Host, Memories of Murder, Mother) nos traslada al hábitat de un "hikkikomori", ser que recluido dentro de la gran urbe, encuentra en el confinamiento una forma de aislarse de la sociedad. Genialmente fotografiado, el cortometraje intitulado Shaking Tokyo captura el diseño de los interiores reducidos y caracterizados por un meticuloso orden que dota de estética al prolongado encierro. Tras más de diez años en los que su contacto con el mundo exterior ha sido minimizado, al grado de ni siquiera cruzar la mirada con los repartidores de pizza que llegan a la puerta de su casa, el hikkikomori descubrirá el amor en una circunstancia inusitada. Es la posibilidad de encontrar a esa persona que lo cautivó la que lo llevará a salir de su hogar, a renacer, a dejar su condición cuasi inerte, sobre todo cuando se entera de que aquélla ha optado también por la reclusión.

Finalmente Tokyo! se convierte en un pequeño deleite cinematográfico que critica, divierte y conmueve, revelando la significación universal de sus tres cortometrajes.

Imagen de Shaking Tokyo de Bong Joon-ho

Duelo Musical #8

El día de hoy, dos spoofs que ya son conocidos en Internet.

Web Site Story
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Prop 8 - The Musical de Marc Shaiman & Adam Shankman

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El buzz de septiembre

En un año en el que tendremos 10 películas nominadas en la categoría principal de los Oscars, parece que comienza a existir cierto consenso entre los gurús mediáticos sobre quienes serán los candidatos a llevarse la estatuilla dorada. Sin embargo, falta exactamente medio año para que la ceremonia se lleve a cabo y cinco meses para que se den a conocer a los nominados. Como suele suceder, lo único seguro al día de hoy, es que falta bastante por ver.

Invictus, filme de Clint Eastwood protagonizado por Matt Damon y Morgan Freeman, aparece como uno de los contendientes más fuertes, pero habrá que recordar que el año pasado, sus dos películas (Gran Torino y Changeling) estaban en situación comparable y poco a poco fueron saliendo del panorama. Nine, cinta musical de Rob Marshall con un elenco pesado y componentes técnicos y artísticos que bien podrían valerle una buena decena de nominaciones, también se consolida en el Top 10, al igual que el The Hurt Locker de Kathryn Bigelow. Además, tenemos a dos candidatas emergidas del Festival de Sundance 2009: An Education de Long Scherfig y Precious de Lee Daniels. Otras cintas como el filme estratosféricamente estético de Pixar, Up, o la nueva comedia de Jason Reitman, titulada Up in the Air, se infiltran en las listas con buenas posibilidades.

La lista de aspirantes continúa. Ahí tenemos a The Lovely Bones de Peter Jackson, The Tree of Life the Terrence Malick, Bright Star de Jane Campion, A Serious Man de los hermanos Coen, The Road de John Hillcoat, Amelia de Mira Nair, Where the Wild Things Are de Spike Jonze, Avatar de James Cameron y Capitalism: A Love Story de Michael Moore.

Otros títulos que aún no han adquirido un buzz suficiente pero podrían hacerlo en los próximos meses incluyen a The Informant! de Steven Soderbergh, District 9 de Neil Blomkamp, (500) Days of Summer de Marc Webb, Public Enemies de Michael Mann (con alto potencial para nominaciones en categorías técnicas), Biutiful de Alejandro González Iñárritu (si se confirma su estreno este año), Julie & Julia de Nora Ephron e Inglourious Basterds de Quentin Tarantino (que parece tener el camino bastante difícil).

So start guessing...

13° Tour de Cine Francés

Ahora es el turno de los Frenchies... Si el universo conspira para ello, el autor de este blog próximamente podrá ver algunos títulos indispensables que por diversas razones no había podido mirar hasta ahora: Un Conte de Noël (Confesiones de Familia) de Arnaud Desplechin más Il y a Longtemps que je t'aime (Hace Mucho que te Quiero) de Philippe Claudel.

Esto dentro del próximo Tour de Cine Francés que ya es el décimo tercero. En esta edición, el programa trae doce filmes, que además de los ya mencionados, incluye la última película de François Ozon (8 Femmes, Le Temps qui Reste, Swimming Pool) intitulada Ricky y la historia de una producción musical obrera/comunitaria llevada a las pantallas grades por Christophe Barratier en Faubourg 36.

Aunque ninguno de mis tres nuevos actores franceses favoritos (Louis Garrel, Gaspard Ulliel, Andy Gillet) está en el programa, tendremos diferentes repartos que reúnen al comediante Gad Elmaleh, Gérard Dépardieu (que nunca puede faltar), Mathieu Amalric, Anne Cosigny, Catherine Deneuve, Diane Kruger, Eric Caravaca y Kristin Scott Thomas.

En la Ciudad de México, el Tour estará exhibiendose desde el 11 y hasta el 24 de septiembre. Aquí el programa en un screenshot:

PD: Coco Avant Chanel, esa que protagoniza Audrey Tautou, estaba inicialmente en el programa pero recientemente fue eliminada de la página oficial del Tour. En realidad sería una lástima que no nos dejaran verla (todavía).

Drag Me To Hell: flemas, sangre, lodo, repulsión y terror hilarante

Lorna Raver como gitana húngara en Drag Me To Hell

"Concerto To Hell" de Christopher Young




Arrástrame al Infierno es el título en español de la nueva cinta del director Sam Raimi quien, tras haber concluido su trilogía del hombre arácnido (todavía recordamos la tan criticada secuencia musical de Spider-Man 3) regresa a las salas de cine con una endemoniada e ingeniosa pieza de horror que tiene todo para convertirse en una referencia dentro de su género. Muy lejos del sadismo y de la atrocidad propia del terror convencional, Raimi nos lanza una mezcolanza de humor y tensión escalofriante, creando y explotando efectivamente una mecánica repleta de situaciones dramáticamente absurdas dignas de un "WTF!".

Después del prólogo del desastre diabólico mexicano que contribuye a generar un misticismo serio no-tan-anglosajón alrededor de la trama y en la que presenciamos el destino fatal de un infante que termina siendo tragado por la tierra, Raimi nos somete al estruendo retro sinfónico del "Concerto to Hell" que terroríficamente penetra en los oídos y hace vibrar las butacas. La composición de Christopher Young, comparable tal vez con bandas sonoras recientes como las El Orfanato de Fernando Velázquez y Sweeney Todd de Stephen Sondheim, acompañará los siguientes 90 minutos en los que Christine Brown (Alison Lohman) tratará de evitar correr la misma suerte de aquel niño de la secuencia inicial.

Christine, dócil empleada de banco que con el fin de demostrar su capacidad para tomar decisiones difíciles, niega una tercera prórroga de pago a su cliente de nombre Sylvia Ganush (Lorna Raver), quien en apariencia es todo un repugnante esperpento gitano. La decisión provocará que la Sra. Ganush sea echada de su casa y humillada al grado que ésta reclama gritando "You shamed me!". En venganza, tras una patética y memorable secuencia de lucha en el estacionamiento del banco, Christine será maldecida por la gitana y sometida a la tortura de Lamia, ente maligno que tras un periodo de tres días la arrastrará al infierno.

El maleficio se tornará una verdadera pesadilla de agresiones recurrentes y deyecciones viscerales que harán que Christine busque la ayuda del psíquico Rham Jas (Dileep Rao) y posteriormente de Shaun San Dena, una médium irrisoriamente interpretada por Adriana Barraza y que esperó ocho lustros para poder confrontarse nuevamente con Lamia. En medio del martirio, Sam Raimi y su hermano Ivan, ambos guionistas del filme, derivan en la relación amorosa entre Christine y Clay Dalton (Justin Long), su escéptico y tierno novio; el vínculo finalmente da un toque terrenal al relato.

Con un estilo no muy elegante pero que revela cálculo y destreza, entre innumerables gags grotescos hiper-ridículos (en el estacionamiento, en el banco, en la cama, a la mesa, en un funeral, en el cementerio, en el cobertizo, durante el exorcismo, en la cafetería), el director sorprendentemente logra generar una sátira extravagante que no sacrifica el horror y al mismo tiempo se reconoce como parábola sobre el mal y el egoísmo. Da miedo que dé risa...

Im Winter ein Jahr: de la muerte y el alivio emocional

Karoline Herfurth y Josef Bierbichler en Im Winter ein Jahr

Resulta interesante como el conflicto interior para sobrellevar la muerte del ser querido inspira historias con personajes en los que se despiertan síntomas muy diversos que finalmente los llevan a un estado de introspección y de autorrevelación. Me pasan por la mente, por ejemplo, el trauma, el silencio y la tensión reprimida de Juan en Lake Tahoe. También recuerdo la soledad, la nostalgia y el redescubrimiento de Carl en el último filme súper estético de Pixar: Up. Pienso igualmente en la ausencia de la madre, la introversión del hijo y la rebeldía de la hija en Familia Tortuga. Parecen diferentes expresiones de la misma esencia.

Im Winter ein Jahr (Hace un Año en Invierno) de la Oscareada directora alemana Caroline Link explora, con un resultado favorable, una manifestación distinta de aquella esencia. Todo comienza con la imagen Alex Richter (Cyril Sjöström), un joven de 19 años, despreocupado, en chaqueta roja, escuchando su iPod bajo la nieve mientras que su hermana Lilli (Karoline Herfurth, vista en The Reader, Perfume: The Story of a Murderer) lo observa tras un amplio cristal. En la escena siguiente, una mujer, Eliane Richter (Corinna Harfouch), la madre de Alex y Lilli, ve perturbada su sesión de jogging matutino por la detonación de una escopeta. La irremediable muerte, producto de un suicidio, se hace presente.

Siguiendo la trama de la novela Aftermath de Scott Campbell, Link asocia la muerte al arte; lo mismo a la pintura, a la danza y a la música. La expresión artística se convierte entonces en el vehículo que llevará a los personajes hacia la introspección y el consuelo. Así, vemos a Eliane en el hogar del pintor Max Hollander (Josef Bierbichler) quien ahí asiste para solicitarle un gran cuadro de sus dos hijos. Veinte mil euros será el precio de la obra, pero el proceso será emocionalmente más costoso y redituable.

Lilli, en bella y talentosa estudiante de danza moderna, aspirante al rol protagónico del musical Alicia en el País de las Maravillas, comienza a establecer un vínculo especial con Max durante sus visitas al taller del pintor. Aprenderemos de las relaciones de ambos: del deseo sexual de Lilli, temporalmente satisfecho por un atractivo Aldo (Misel Maticevic), así como de la condición bisexual del pintor, de su relación homosexual frustrada y del lazo que apenas mantiene con su hijo. Gradualmente el espectador intuye que el suicidio tiene también una connotación íntima, aunque su naturaleza no es exactamente revelada sino hasta los últimos minutos de la cinta.

La música adquiere un rol notable. No sólo en la escena de liberación interna de Lilli, musicalizada con una versión instrumental de Signal to Noise de Peter Gabriel, sino también en la banda sonora compuesta por Niki Reiser. En este sentido, Caroline Link aplica misma la fórmula que empleó siete años antes en Nirgendwo in Afrika (Ningún Lugar en África): música potente que sobresale al acompañar las imágenes y crea la atmósfera precisa para el argumento. El uso y la decoración mínima de espacios amplios son característicos, permitiéndole a la directora explotar mejor la presencia de los actores y la fotografía. El elenco es bastante bueno, con destacadas interpretaciones de Josef Bierbichler y Karoline Herfurth.

Im Winter ein Jahr, otra muestra de cine alemán estudiado y renovador.